TEMA 11

LA ARQUITECTURA Y ESCULTURA EN EL RENACIMIENTO


1 CONTEXTO HISTÓRICO

2 BREVE RESEÑA DE CADA FASE DEL RENACIMIENTO

3 LA ARQUITECTURA EN EL RENACIMIENTO
3.1 Características generales
3.2 La arquitectura del Quattrocento (siglo XV)
3.3 La arquitectura del Cinquecento (siglo XVI)

4 LA ESCULTURA EN EL RENACIMIENTO
4.1 Características generales
4.2 La escultura en el Quattrocento
4.3 La escultura en el Cinquecento



ARQUITECTURA
SIGLO
AUTOR
OBRA
XV

QUATTROCENTO
Brunelleschi
Cúpula de Santa María de las Flores en Florencia
Iglesia de San Lorenzo en Florencia
Palacio Pitti en Florencia
XVI

CINQUECENTO
Bramante
Templete de San Pietro in Montorio en Roma
Proyecto de la Basílica de San Pedro del Vaticano
Miguel Ángel
San Pedro del Vaticano
Escalera de la biblioteca Laurentina

ESCULTURA
SIGLO
AUTOR
OBRA
XV

QUATTROCENTO
Donatello
Relieve para la Cantoría de Sta. Mª de las Flores en Florencia
David
Retrato ecuestre del condottiero “Gattamelata”
El Profeta Habacuc
XVI

CINQUECENTO
MIGUEL ÁNGEL
La Piedad del Vaticano
David
Moisés (del sepulcro del Papa Julio II)
Sepulcros de Lorenzo y Julián de Médicis
La Piedad Rondanini

El término Renacimiento fue acuñado por Vasari para designar un movimiento artístico que aparece en Italia y se desarrolla durante los siglos XIV al XVI. Le dio ese nombre porque hizo “renacer” los ideales que imperaron siglos atrás, en la antigüedad clásica, entendiendo como tal las culturas griega y romana.

1CONTEXTO HISTÓRICO

Entramos en una época caracterizada por el fuerte desarrollo del comercio y la artesanía, lo que conllevará el ascenso económico y social de la burguesía. De esta forma, la burguesía se convertirá en uno de los mecenas fundamentales para los artistas, junto con la Iglesia y la nobleza. Los mecenas generalmente eran miembros de familias adineradas: los Medicis (en Florencia), los Uffizi, los Rucellai, etc. Solían ser coleccionistas de obras de arte.

Es también época de origen e impulso de numerosas universidades, en las que el pensamiento burgués, disconforme con la sociedad que le ha tocado vivir (ya que están relegados a un segundo plano por la Iglesia y la nobleza), propiciará la aparición del pensamiento crítico. Desde esta actitud se terminará desarrollando una nueva filosofía, el humanismo racional: en ella el hombre se convierte en el centro del Universo (antropocentrismo frente al teocentrismo de la Edad Media). El hombre está en el centro de la Creación y comienza a emplear la razón, en oposición al conocimiento medieval que se movía en el ámbito de la fe. Así, sin renunciar a todo aquello que conlleva la mentalidad cristiana, el hombre del Renacimiento vuelve los ojos a la Antigüedad grecolatina, ya que considera que en aquella época, el hombre y la búsqueda racional de la verdad eran los ejes fundamentales en torno a los que giraba todo.

Esto llevará a una secularización del Arte, que pierde en este estilo gran parte de la carga religiosa que habíamos encontrado en épocas anteriores (aunque en algunos países, como España, el arte seguirá siendo eminentemente religioso).

Por todo lo anterior, los artistas del Renacimiento utilizarán el periodo clásico como modelo, aunque no será una mera copia, sino que adaptarán las formas antiguas al nuevo espíritu moderno. Tomarán del arte clásico sus principios fundamentales: el equilibrio, la serenidad, el naturalismo y la búsqueda de la belleza física.

La importancia que se otorgará al ser humano podemos apreciarla también a través del papel que van a jugar los artistas. Hasta este momento eran considerados como simples artesanos. Sin embargo, durante el Renacimiento desaparecerá el anonimato artístico, y se comienza a valorar al autor, al genio. El autor de las obras pasa de ser considerado artesano a ser considerado artista (a partir del siglo XVI).

La búsqueda de la perfección en los individuos llevará a la aparición de artistas polifacéticos que plasman su genialidad en diferentes campos artísticos (arquitectura, escultura, pintura..): Miguel Angel, Brunelleschi, Bramante, Alberti, etc.


2BREVE RESEÑA DE CADA FASE DEL RENACIMIENTO

1º) Trecento (Finales XIV) Pisa

Comienza el Renacimiento, desarrollándose principalmente la pintura. Son los “primitivos italianos”: Giotto, Duccio y Simone Martini.

2º) Cuattrocento (Siglo XV) Florencia

El centro fundamental será Florencia, donde los Médicis ejercerán un fundamental papel de mecenazgo. Destacarán Brunelleschi (arquitectura), Donatello (escultura) y Botticelli (pintura).

3º) Cinquecento (Siglo XVI) Roma

El siglo XVI es el de la Reforma Protestante y de la respuesta católica, la Contrarreforma: los valores del catolicismo fijados en el Concilio de Trento encontrarán como vehículo fundamental de transmisión el Arte, bajo el mecenazgo de los Papas. Destaca la personalidad polifacética de Miguel Angel, junto a Bramante (arquitectura), Leonardo, Rafael, Tiziano y El Greco (pintura).


3LA ARQUITECTURA EN EL RENACIMIENTO

3.1Características generales

1º) Se inspira en la arquitectura griega y romana, recuperándose elementos constructivos y decorativos de la época clásica: arcos de medio punto, columnas, los diferentes órdenes y entablamentos, frontones, etc.

2º) Por primera vez desde la antigüedad, el hombre se siente centro del Universo y reclamará una arquitectura a su medida basada en proporciones sencillas.

3º) El muro recupera su función sustentante aunque revestido vistosamente en su decoración con mármoles de colores, rústicos aparejos, etc.

4º) En cuanto a las cubiertas encontramos grandes y variados abovedamientos predominando las cúpulas sobre pechinas y las bóvedas de cañón decoradas con casetones (artesonado, formado por los casetones, es decir, piezas cuadradas o poligonales, cóncavas, con el fondo decorado en relieve).

5º) La arquitecturareligiosa sigue predominando, aunque ahora no de forma tan exclusiva como en la Edad Media. Como ya veremos, tanto el Urbanismo como la arquitectura civil también juegan un papel importante.

6º) Igual que en la arquitectura clásica hay una búsqueda de la geometrización y la armonía (proporciones).

7º) Plena libertad ornamental, en la que predomina la fantasía con medallones, guirnaldas (bandas con frutas y flores) y grutescos (decoración con seres con cabeza y tronco humano o animal y mitad inferior en forma de tallo enroscado).

8º) Los tipos de planta que encontramos son principalmente tres: centrales, basilicales y jesuíticas (modelo de la contrarreforma).

  • Las plantas centrales suponen un espacio único desde el centro del cual el hombre pueda acapararlo todo: círculos, cuadrados, de cruz griega, etc.
  • Las plantas basilicales mantendrán su esquema tradicional: tres largas naves (la central más alta y ancha) y una más de crucero ante la cabecera.
  • Lasplantas jesuíticas son el modelo de la contrarreforma y surgen tras el Concilio de Trento. Son fruto de la fusión de las dos tipologías anteriores y aparecen para atender a las necesidades que se fijaron en Trento:
· nave única, corta y ancha, acercando así a los fieles al oficiante.
· nave abovedada: facilita la resonancia de la voz del predicador.
· capillas laterales para la celebración de diferentes actos litúrgicos a la vez.
Este tipo de iglesias serán muy imitadas en el Barroco.

9º) Gran desarrollo de la arquitectura civil a través de palacios urbanos y villas en el campo.

10º) Gran desarrollo del Urbanismo como consecuencia del crecimiento de la ciudad, lo que provoca una necesidad de ordenamiento. Aunque la mayoría se quedarán en simples proyectos, remodelando sólo algunas calles o plazas.


3.2La arquitectura del Quattrocento en Italia (siglo XV)

FILIPPO BRUNELLESCHI

Es uno de los artistas polifacéticos del Renacimiento (fue también pintor y escultor). Sus obras son proporcionadas, medidas desde la arquitectura clásica.

CÚPULA DE SANTA MARÍA DEL FIORE (Catedral de Florencia)
ESTILO: Renacimiento
PERÍODO: Quattrocento
CRONOLOGÍA: 1418 - 1446
MATERIALES: Ladrillo, piedra y mármol
DIMENSIONES: 114 m (alto) x 41,7 m (diámetro)
LOCALIZACIÓN: Florencia (Italia)
Entre las obras realizadas por Brunelleschi destaca por su importancia técnica e histórica la cúpula que había de cubrir la Catedral de Florencia, edificio ya terminado (de estilo gótico). Brunelleschi construirá una cúpula de perfil apuntado que se eleva sobre un tambor octogonal en el crucero de la catedral florentina, a la manera de los cimborrios góticos. Tiene dimensiones colosales y un sistema de dos cúpulas unidas, la interior semiesférica y la exterior apuntada que contrarresta los empujes de la primera. Las dos cúpulas están separados entre sí por un espacio hueco, que alivia el peso de la obra sobre el tambor. Sostenida mediante las costillas o arcos que le dan un perfil gótico y que enlazan su base con el anillo superior, que, a su vez, es el asiento de la linterna. El espacio entre estas costillas se cubre con livianas tejas. Sobre el anillo, un bello cupulín de remate con esbelto cuerpo de ventanas y remate piramidal, que cobija otra pequeña cúpula. Esta linterna contribuye a la iluminación cenital del crucero del templo. La decoración se fundamenta en arcos de medio punto, hornacinas aveneradas, entablamentos clásicos, y mármoles de diversos colores, mientras que un el tambor presenta ventanas circulares (“de ojo de buey”) y planchas de mármol coloreadas. Es importante destacar como novedad su riqueza cromática exterior, al conjugar el blanco y verde de las planchas de mármol con el rojo de las tejas, lo que anima el exterior arquitectónico desterrando la imagen pétrea de la arquitectura medieval. Esta cúpula tiene como claras referencias la del Panteón de Agripa y los modelos bizantinos, siendo a su vez la inspiradora de otras cúpulas posteriores como la de San Pedro del Vaticano.


Otras obras suyas son la IGLESIA DE SAN LORENZO de Florencia (inspirada en las basílicas paleocristianas) y el PALACIO PITTI en Florencia, ejemplo de arquitectura civil (era una de las residencias oficiales de los Médicis).



3.3La arquitectura del Cinquecento en Italia (siglo XVI)

En el siglo XVI Florencia deja de ser la capital artística de Italia debido a la crisis provocada por las guerras contra franceses y españoles por el control de la península itálica. El centro fundamental se desplaza a Roma, donde se levantarán las obras más importantes, debido fundamentalmente al considerable aumento del poder papal que atrae a los más importantes artistas del momento.

DONATO BRAMANTE

Sus obras destacan por la grandiosidad de las proporciones(mayor monumentalidad) y por la correcta utilización de los órdenes clásicos. Monumentos como el coliseo romano debieron impresionarle por su sencillez, por lo que en su obra predomina el carácter constructivo sobre el decorativo.


TEMPLETE DE SAN PIETRO IN MONTORIO
ESTILO: Renacimiento
PERÍODO: Cinquecento
CRONOLOGÍA: 1502
MATERIALES: Piedra, mármol y granito
LOCALIZACIÓN: Roma (Italia)
Es uno de los monumentos más representativos del Renacimiento romano. Recibe ese nombre porque se levanta en el lugar donde según la tradición fue sacrificado San Pedro. Este monumento-capilla fue costeado por los Reyes Católicos, apreciándose en él una gran influencia de la arquitectura clásica. Se trata de un pequeño templo circular (construido a imagen de los templos monópteros clásicos), con columnas toscanas en el cuerpo inferior sobre podium con escalinata también circular y entablamento correspondiente a este orden arquitectónico con triglifos y metopas. El cuerpo superior está cubierto con cúpula elevada sobre alto tambor con nichos para estatuas, anticipo de la gran cúpula vaticana e inspirada en modelos romanos. Hay una clara aportación del Renacimiento en la balaustrada o balconcillo que remata el primer cuerpo, que recibe el nombre de balaustre (compuesto por columnillas estranguladas en el centro).


Bramante fue elegido por el Papa Julio II para elaborar el PROYECTO para levantar la NUEVA BASÍLICA DE SAN PEDRO DEL VATICANO, pero fallecerá cuando las obras acababan de empezar.

MIGUEL ANGEL

Es el artista más significativo del Renacimiento, sobresaliendo por su carácter polifacético. Sus edificios destacan por los volúmenes clásicos.


BASÍLICA DE SAN PEDRO DEL VATICANO
ESTILO: Renacimiento
PERÍODO: Cinquecento
CRONOLOGÍA: 1546
LOCALIZACIÓN: Roma (Italia)
El genial Miguel Angel tenía ya 70 años cuando el Papa le encarga la dirección de San Pedro (1546). Se resiste, pero ante la insistencia del pontífice acepta, aunque con la condición de introducir en el proyecto de Bramante las novedades que estimara convenientes.
De esta forma, mantendrá la planta centralizada de cruz griega, aunque ahora abre una sola entrada principal, y no una en cada brazo como ideara Bramante. También eliminará las torres y torrecillas, convirtiendo en protagonista indiscutible a la gran cúpula, que en su proyecto será más alta y elegante que la diseñada por Bramante. La levantará sobre un doble tambor, cerrando el ciclo de experiencias comenzado por el Panteón de Agripa en Roma, seguido en Santa Sofía de Constantinopla y en Santa María de las Flores de Brunelleschi en Florencia. Se creará así definitivamente el tipo de cúpula occidental y todas las que le sigan, hasta el siglo XIX, serán imitación de ésta.
Decora el tambor inferior de la cúpula con columnas pareadas y ventanas rematadas con frontones tringulares y curvos. Sobre éste eleva un sobrecuerpo o segundo tambor, con decoración de guirnaldas. Encima coloca la cúpula en sí, apuntada, de nervios destacados que proporcionan un interesante juego de luces y sombras. Sobre ella dispondrá una linterna abierta a la luz, también entre pares de columnas. Este juego de masas, tensiones y rupturas de una riqueza extraordinaria nos están hablando de un lenguaje claramente manierista.
Destaca también por su simbolismo como centro de la cristiandad, donde la planta cuadrada representaría el mundo, la cúpula simboliza a Dios y la cruz griega representaría la acción mediadora de Cristo y su Iglesia entre Dios y los hombres.


Otra obra suya es la ESCALERA DEL VESTÍBULO DE LA BIBLIOTECA LAURENTINA. Es una obra llena de ritmo y movimiento, en la que se anticipa claramente al manierismo y a la arquitectura barroca del XVII.


4LA ESCULTURA EN EL RENACIMIENTO


4.1Características generales

1) Se imitarán las esculturas clásicas, utilizándose como modelos las estatuas y relieves romanas: simetría (relación armoniosa de unas partes con otras), dominio de las proporciones, dominio de la anatomía y armonía de los movimientos. Se busca la belleza y el equilibrio.

2) El material preferido será el mármol, rememorando el esplendor griego y romano. También el bronce aunque alcanzando una perfección magistral. Las esculturas en mármol no se policromarán, debido a que los artistas del Renacimiento creían que los escultores clásicos tampoco lo hacían.

3) En lo que se refiere a la temática, compartirán el protagonismo la religiosa y la profana. En esta última destaca la de carácter mitológico.

4) En cuanto a los géneros, serán variados a lo largo de todo el Renacimiento:
  • El retrato en todas sus variedades (busto, cuerpo entero, ecuestres). Mostrarán variedad de expresiones, estados de ánimo, etapas de la vida...
  • El desnudo tendrá gran relevancia, alcanzando un perfecto conocimiento anatómico. Se realizará fundamentalmente a través de los temas mitológicos.
  • Se realizarán imágenes de culto, aunque en menor medida de lo que se hace en España, donde los motivos religiosos ostentan el protagonismo temático.
  • La escultura funeraria será otro de los géneros destacados, íntimamente relacionada con la idea humanista de la muerte. En la Edad Media la muerte triunfaba sobre el hombre; en el Renacimiento, el hombre triunfa sobre la muerte y lo hace a través de la “fama”: el sepulcro tratará de expresar las razones por las cuales aquella persona allí enterrada merece “fama” póstuma. A veces estas razones se expresan de manera simbólica.

5) Alcanza una total independencia de la arquitectura y se desarrolla de un modo absolutamente libre, en contraposición a los siglos de la Edad Media en los que la escultura había sido un complemento de la arquitectura, dependiendo de ella.

6) El relieve alcanza un extraordinario desarrollo, sobre todo por la utilización del schiacciato (bajo relieve esbozado, en el que el resalte es de muy escasa profundidad, pareciendo algunos sectores del relieve una superficie grabada), con el que se consiguen efectos sorprendentes en la perspectiva. Se le denomina también relieve pictórico, ya que lo que está más próximo al espectador posee más volumen que aquello que está más alejado, que aparece en relieve muy bajo.


4.2La escultura del Quattrocento


DONATELLO

Es sin duda la figura más sobresaliente del Quattrocento florentino. Lo más importante para él será la figura humana, creando los arquetipos escultóricos del hombre en sus distintas edades.


DAVID
ESTILO: Renacimiento
PERÍODO: Quattrocento
CRONOLOGÍA: 1444 – 1446
TÉCNICA: Fundición
MATERIALES: Bronce
DIMENSIONES: 1,58 M
LOCALIZACIÓN: Museo Nazionale del Bargello, Florencia
El símbolo de David es siempre el de la victoria de la inteligencia sobre la fuerza bruta. El joven adolescente vencedor tiene a sus pies la cabeza de Goliat e indolentemente se apoya sobre su pierna derecha, mientras incurva su cuerpo hacia la izquierda, conforme al modelo clásico de Praxiteles. El cuerpo, suavemente modelado, como corresponde a la anatomía en formación (blanda) de un adolescente, permite que la luz resbale por la superficie prestando fluidez a la figura, acentuando las calidades del bronce. El tratamiento sensual del cuerpo contrasta con la determinación de la mirada fija y reflexiva, de un espíritu victorioso. En la mano izquierda lleva una piedra alusiva al combate y, en la derecha, la espada, sujeta con una ligera torsión en el brazo para acomodarlo a la acción. Se cubre con un casco con pámpanos, remedando en su forma el petaso romano.


Otras obras de Donatello en las que representa distintas edades del hombre son LA CANTORÍA DE SANTA MARÍA DE LAS FLORES (niños), la ESTATUA ECUESTRE DE ERASMO DE NARNI (adulto) y EL PROFETA HABACUC(vejez).



4.3La escultura del Cinquecento



MIGUEL ÁNGEL

Aunque practicó todas las artes, él siempre se consideró como escultor. Ello provocó su angustia vital, pues estimaba que tanto la pintura como la arquitectura le distraían de su verdadera vocación escultórica.
Sus figuras no son reales sino modelos supremos a los que sólo se puede llegar por la imaginación. Las características más importantes de sus obras serán:
  • Fuerte expresividad (“terribilitá”), que hace que sus figuras muestren un carácter terrible, amenazador, con unos gestos dramáticos, que son reflejo de unos sentimientos contenidos, que provocan una intensa sensación de vida interior, mediante una total tensión en las figuras.
  • Amplias anatomías (cuerpos muy musculosos), tratadas de un modo analítico.

Comoescultor se forma en Florencia, aunque con sólo veinte años tiene que abandonar esta ciudad debido a la caída de los Médicis, y se traslada a Roma, donde los Papas serán sus mecenas el resto de su vida. En Roma, sus cuerpos tendrán cada vez más musculatura. Ello puede ser debido a la impresión que recibió por el descubrimiento en aquella época del grupo helenístico del Laocoonte. Sus desnudos están dotados de una fuerza en tensión sin igual ya que los músculos luchan por acusarse bajo la piel.

1º) Etapa de juventud


PIEDAD DEL VATICANO
ESTILO: Renacimiento
PERÍODO: Cinquecento
CRONOLOGÍA: 1498 - 1499
TÉCNICA: Talla
MATERIALES: Mármol
DIMENSIONES: 1,74 m
LOCALIZACIÓN: Basílica de San Pedro del Vaticano
La Virgen tiene en su regazo el cuerpo muerto de Cristo. El idealismo simbólico de la representación se advierte en que la Virgen es más joven que su Hijo, como símbolo de la virginidad eterna y sin edad. Mientras que el hijo, incorporado a nuestra naturaleza humana, aparece como un hombre cualquiera en sus despojos mortales. El grupo se concibe inserto en una pirámide, destacando, junto a la belleza y el cuidado tratamiento del cuerpo de Cristo, su magnífico estudio anatómico, así como la belleza perfecta de la Virgen, que no expresa ningún sufrimiento, y que sostiene a Cristo con su mano derecha, mientras extiende su izquierda como para ofrecerlo al mundo. El estudio de las telas, cuidadosamente trabajadas conabundantes efectos de claroscuro, se ajustan a las formas anatómicas de la Virgen. Se insinúa una diagonal en el manto de la Virgen, por lo que la mirada se detiene en el torso de Cristo, para seguir por su brazo muerto hacia la parte inferior izquierda.


DAVID
ESTILO: Renacimiento
PERÍODO: Cinquecento
CRONOLOGÍA: 1501 - 1504
TÉCNICA: Talla
MATERIALES: Mármol
DIMENSIONES: 4,34 m
LOCALIZACIÓN: Museo de Florencia
Ejemplo de la perfección majestuosa del Cinquecento italiano. Es su obra culminante de esta época, destinada en principio a ser uno de los contrafuertes del Duomo, aunque después de ver culminada la obra, y debido a su perfección, el pueblo de Florencia presionó para que se colocara en otro lugar, emplazándose delante del Palacio Viejo en la plaza de la Signoría de Florencia. De tamaño colosal, refleja ya en su rostro esa vida interior apasionada que se califica como terribilitá. El héroe se apoya en su pierna derecha mientras que con la izquierda inicia el giro para lanzar la honda que apoya en su hombro; en su mano derecha sujeta una piedra y con la mirada sigue atento los movimientos de Goliat, buscando el momento oportuno para lanzar el proyectil. Magnífico estudio anatómico de un cuerpo en reposo, pero en el que está implícito el inmediato movimiento (movimiento en potencia), característica muy personal en la escultura de Miguel Ángel. Su potente musculatura, su expresión firme y segura, y un vigor resaltado especialmente por sus manos enormes, en cierto modo están anunciando ya la tensión manierista y la grandilocuencia miguelangelesca.
A través de esta obra podemos descubrir el genio de Miguel Ángel, así como sus extraordinarios conocimientos tanto en el campo de las artes como de las ciencias:
  • por mantener de pie una figura tan “desproporcionada” en relación a su altura (la esculpió sobre un bloque de piedra muy alto y estrecho, del cual otro escultor dijo que no se podía obtener nada por eso mismo), Miguel Ángel demuestra sus conocimientos de física, reforzándola con un tronco que dispone detrás de una de las piernas
  • también demuestra sus conocimientos de anatomía, por la fidelidad en el comportamiento de los músculos e incluso de las venas (parece probado que diseccionaba cadáveres para comprender el funcionamiento del cuerpo humano y reflejarlo en sus esculturas, pese a que esa práctica estaba perseguida por los tribunales eclesiásticos)
  • y, por su puesto, queda patente su dominio del arte de la escultura.


Otro aspecto a destacar es el simbolismo de esta escultura. No podemos olvidar que estaba destinada a un lugar público de Florencia, para ser contemplada por todos los florentinos. Se esculpe por encargo del gobierno de la ciudad, en un momento en el que Florencia, una pequeña ciudad-estado (reflejada en el David), está disputando el comercio del Mediterráneo a otras ciudades italianas mucho más potentes (que serían el “Goliat” contra el que luchaban). Precisamente este simbolismo es el que nos permite explicar dos “defectos” de la escultura: la desproporción de la mano y de la cabeza, en comparación con el resto del cuerpo (son mucho más grandes de lo que corresponde). Pero es que a través de esa desproporción Miguel Ángel pretende mostrar a los florentinos, el camino para derrotar a las otras ciudades: mediante la cabeza (la inteligencia) y mediante la mano (la fuerza). (Iconografía- Iconología)

2ª) Etapa de madurez

En Roma inicia por encargo del propio Papa el gran SEPULCRO DE JULIO II en el que destaca el MOISÉS.

3ª) Etapa manierista


Miguel Ángel recibe el encargo de realizar los SEPULCROS DE LOS DUQUESJULIANO Y LORENZO DE MÉDICI. Ya al final de su vida realizará LA PIEDAD RONDANINI,vivaexpresión del dolor.